原标题：民族舞剧《红楼梦》成为现象级爆款，记者对话该剧导演——（引题）

黎星：现在做到的只是一个开始（主题）

大众日报记者 田可新

(资料图)

大众日报实习生 贾富康 张铭皓

记者：民族舞剧《红楼梦》以“十二金钗”为主要人物的创作构思可谓独辟蹊径，这是不是传统经典文学的最佳呈现方式？

黎星：作为创作者，特别是我们年轻一代的创作者，不会妄下断言说什么样的方式就是最佳的。我们只是在用现代的视角去表达。在拿到《红楼梦》的文本以后，我们一直在思考如何把如此宏大的文学巨著展现在舞台上。

首先，我个人认为舞剧的第一目的并不是叙事，所以我们在做文本逻辑时，更多是在全书当中拔一条看起来更加明朗的故事线。其次，我觉得要遵循戏剧逻辑，还有情感和情绪的逻辑。那十二个姑娘的命运本身，在我看来逻辑感会更强烈，并且作为舞台语言会更丰富，所以选择了从十二个姑娘入手，来找舞台的形式感。

记者：舞剧中女性视角、女性表达上有哪些花费心思的地方？

黎星：在2020年创作《红楼梦》的戏剧文本时，我们其实是带着一双曹雪芹的眼睛、一双贾宝玉的眼睛在看大观园里的这群姑娘，发现他们视角里的这群姑娘，就像原著里写的，是如水的、温文儒雅的，这样的女子就该用《红楼梦》这本书来记录她们。我们通过这样的视角去解读稍纵即逝的美好和脆弱难控的命运，把书中宏大的文学环境和美学背景，用舞台化的方式展现出来。

在《团圆》篇章中，我们再现了贾宝玉心中那份最美好的大观园盛景，并在最后加入了没有时间和空间概念的《花葬》。这些篇章的演绎是用更当代的语言去表达人性本身的力量。所谓更当代的语言，不是现代舞，而是像原始祭祀的舞蹈，源自身体本能的冲动。

记者：面对这种经典传统故事，您认为如何创新是合适、合理的？

黎星：我觉得最重要的是真正了解每个经典中的内在表达，然后再进行提炼创作，而不是只看到外表的东西。艺术创作很重要的就是立足文化本身这一基点。对《红楼梦》的改编创作，我认为我们只挖掘到了冰山的一角，创作动机来源于历史和老祖宗留下来的东西本身。我们现在做到的只是一个开始。

另外，好的创作一定不是随波逐流的思维和思想方式，好的创作一定是有自己的理解和态度，即便那个见解很浅显，但也可以从一个小口剖出一个大口。艺术创作一定要真诚、真实，在创作时坚持自己的理解和见解非常重要。

记者：既是导演又是贾宝玉的扮演者，双重身份对您来说意味着什么？难度大吗？

黎星：需要付出的时间成本更多。导和演是两回事，是两个视角。站在表演者的角度时，我需要具有强烈角色个性的眼光，但作为导演，就需要站在全局的视角看每一个细节。既导又演会产生一种相辅相成的效果。其实《红楼梦》并不是我第一个又导又演的作品，所以角色转换的过程，对我来说并不困难。

记者：为什么一直坚持做舞蹈剧场？

黎星：国内的舞剧大部分都是格局比较宏大的历史命题、事件命题，或者是人物命题。有时候我们需要回溯一些历史表达，但有时候也需要安安静静地和自己对话，问一问现在的自己是什么样子，还好吗？我选择坚持做舞蹈剧场，像是我做的城市空间系列，更关注的是当下我们每个人的思维和感受。比如我的最新作品《火车站》，表面来看《火车站》是带有复古感的从1980年开过来的火车，但我关注的是在2020年到2022年期间，所有人可能暂时停歇、不敢再往前冲的一个内心状态。我想用《火车站》鼓励大家再出发，去勇敢地选择自己的方向。

其实舞蹈剧场相对来说它的逻辑性不在于线性叙事的故事逻辑，而是一种自成的感受逻辑，其中心思想作为舞剧内核往往极具挑战性和突破性。我之前跳了很多不同的舞剧，也一直希望可以触碰更多未知的、新鲜的甚至是冒险的东西，而舞蹈剧场的这种挑战性和突破性，对我来说就意味着变化和新鲜，这也正是我坚持做舞蹈剧场的原因。